Posteado por: fernando2008 | 19 enero 2010

Visita a la sección de Bellas Artes del Museo de las Veletas de Cáceres. La dificultad del arte abstracto.

Siguiendo con las visitas de despedida al Museo de las Veletas tal y como lo conocemos ahora, un grupo de miembros de la Asociación “Adaegina”, Amigos del Museo de Cáceres, realizamos el 12 de diciembre una visita a la sección de Bellas Artes, guiados por doña Ana García Martín, técnica del Museo. Y dado que comenzamos la visita por el arte contemporáneo, la señora García Martín nos avisó, con muy buen criterio, de la posible dificultad que podría presentar la comprensión del arte abstracto, dificultad que se materializó ya en los primeros momentos de la visita.

¿Qué es una obra abstracta? Siguiendo a Cirlot podemos definir una obra abstracta como aquella enteramente carente de figuración: espacio real, objetos, paisajes, figuras de seres animados e inanimados, e incluso de formas geométricas si se representan como objetos reales, con iluminación y perspectiva. La abstracción se opone dialécticamente al mundo que existe. Es una visualización de la energía, en sus formas expresivas y desencadenantes. Dicho así, parece muy fácil.

¿Por qué entonces el espectador común encuentra tantas dificultades para comprender y valorar el arte abstracto?. ¿Por qué mira con escepticismo, por ejemplo, el cuadro que nuestra guía tan magníficamente explicaba en la foto que abre esta entrada, y sin embargo se sentía cómodo ante una pintura como la del final, un producto de la escuela de Morales de más que dudoso valor?. Sencillamente, por el vértigo que nos da la “terra incognita”. Valoramos los rizos de San Pedro, rizos que han sufrido una muy notable merma desde que Pieter Coecke van Aelst los creó, hasta que el anónimo discípulo de “El Divino” los plasmó en este lienzo con bastante poca pericia. Es algo conocido, algo familiar. Pero el proceso que enfatiza los aspectos cromáticos, formales y estructurales acentuándolos, resaltando su valor y fuerza expresiva, sin tratar de imitar modelos o formas naturales nos resulta muy difícil de comprender. Porque no lo tenemos interiorizado, no estamos acostumbrados a él.

En mi ya larga carrera de profesor de Historia del Arte, cuando he intentado explicar algunas pinturas contemporáneas, siempre, o casi siempre me he encontrado con dos comentarios.

1º “Eso también lo hago yo”. Este comentario es provocado por la visión de la aparente simplicidad o infantilismo de algunas pinturas, por ejemplo de Miró. Efectivamente, eso lo puedes hacer tú… ahora. Un copista poco cuidadoso tendrá más facilidad para copiar una obra de Miró que “Las lanzas”. Se ahorra el estudio de la composición, de los juegos de volúmenes, la elección de los colores. Incluso podía conceder al artista espontáneo que pudiese hacer una buena copia de “La rendición de Breda”. Lo único que necesita es haber seguido algunos cursos de pintura. Es el mismo caso de Carlos V que desarmaba y armaba relojes… que otros habían inventado. Pero ahí, la creación no existe. Sólo la copia.

2º “¿Qué significa esto?”. Podemos decir, sin temor a equivocarnos que todos los objetos que existen o han existido en el mundo, han sido pintados, dibujados, retratados. El pintor, el dibujante, el fotógrafo ha representado la realidad. Incluso algunos pintores geniales, como Velázquez ha logrado representar cosas muy difíciles de pintar, como el movimiento de una rueca, o el agua dentro de una copa de cristal. Si nos ponemos cursis, podemos decir que Velázquez ha llegado a pintar el aire.

¿Y después?. Cuando se tiene la pericia técnica necesaria para pintar el aire sólo hay dos opciones: seguir pintando el aire, la realidad, una y otra vez, o innovar. Y eso es lo que hacen los verdaderos genios, desde El Bosco, que creaba una realidad nueva a base de bolas de cristal y caparazones de crustáceos, a los pintores abstractos.

Hay una anécdota de una competición entre los pintores griegos, Zeuxis y Parrasio. Zeuxis pintó una cesta de cerezas tan real que los pájaros bajaron a comerlas. Seguro de su triunfo, pidió a Parrasio que apartara el velo que cubría su cuadro para ver qué había pintado. Parrasio dijo que lo levantara el propio Zeuxis y éste se dio cuenta con asombro que el velo era lo que estaba pintado. El jurado concedió la corona a Parrasio porque “si bien Zeuxis había engañado a los pájaros, Parrasio había engañado a los hombre, lo cual tiene más mérito”.

Hoy día, la técnica cuenta con suficientes megapíxeles para representar perfectamente la realidad, engañar al hombre, e ir incluso más allá, presentando una realidad que el ojo humano no puede percibir, al existir pantallas de televisión con dos millones de colores. Por lo tanto, el arte debe abandonar el trillado camino de la representación de lo concreto y lanzarse a nuevas aventuras. No todas saldrán bien, pero la exploración es algo consubstancial al hombre desde el “Homo Antecesor”.

Y cuando algún despistado nos pregunte ¿qué significa eso?, podemos responderle: Nada. No significa nada. Tiene vida propia.

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Responses

  1. Me gusta tu defensa del arte abstracto. Supongo que ambas variantes del arte son válidas y hay ejemplos hermosos en ambos lados.

    Sin embargo, sigo admirando más el trabajo de Durero y de Miguel Angel. Y de pintores “intermedios”, como Turner y sus tormentas.

  2. Yo también. Mi artista favorito es Miguel Ángel. Pero si nos quedáramos únicamente con ese arte, nos axfisiaríamos. El arte debe evolucionar, conquistar formas de expresión nuevas. Aunque haya mucho camelo en el arte actual.

  3. En el arte, como en todo, ha habido siempre algo de camelo. De las obras antiguas solo conocemos las que han llegado a nosotros y algunas de ellas, yo creo que muchas, de dudoso mérito, como Fernando mismo ha apuntado en su comentario.
    El problema principal para valorar el arte de hoy es que es de hoy, no de ayer y, por decirlo de alguna manera, no disponemos de patrones para medir. Recuerden lo que le pasó a los impresionistas. Además hoy se pueden utilizar materiales del más variado pelaje (la técnica mixta es muy frecuente) de manera que su utilización y tratamiento nos puede coger de sorpresa. En la actualidad el motivo de la obra es lo de menos, de manera que para tomar conciencia de su valor lo primero es observarla con el espíritu abierto y, como no, estar algo iniciado en el asunto, cosa que casi nadie lo está.
    Con el cine pasaba antes lo mismo, aunque ahora el gran público está mucho más preparado. Naturalmente debido al gran número de películas que ese público ve y a las críticas que oye tiene una base mucho mayor para opinar de una película que para valorar una pintura. Pero hace poco tiempo, con el cine pasaba lo mismo.
    Recuerdo una anécdota que me pasó en mis comienzos de docente en un pueblo, allá por el año 65 del pasado siglo. Ponían en el cine La Strada de Fellini y tres compañeros fuimos a verla un lunes, la película la habían dado ya el domingo, y en la sala estábamos nosotros tres solamente. La gente no había ido porque se corrió la voz de que era un “petardo”. Hoy una película similar tendría muchos espectadores en el mismo pueblo.
    Mi artista clásico favorito es Goya y de los contemporáneos Lucio Muñoz y Manolo Millares, (ya fallecidos).

  4. Totalmente de acuerdo.

  5. El abstracto es para mi un ejercicio intelectual cuyos contenidos están detrás de las formas pictoricas, el concepto se vuelve forma y aunque no haya nada real, sí infiere, como sucede en la literatura que describe situaciones reales pero en muchos casos nos deja con la inquietud de: ¿que pasó?, entonces si regresamos a los argumentos expresados podemos inferir, imaginar el final. Con este argumento describo lo abstracto, que es aquello que no está, pero lo puedo adivinar, si me dan las erramientas para hacerlo, por esta razón no creo en un arte abstracto experimental o gratuito producto del azar que me lleva al desengaño. El mundo no se ha construido con emosiones, sino con pensamientos. marcelino colombia.


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